Um filme precisa agradar a todos para ser considerado lendário? Se esse for o critério, o cinema seria monótono. A arte cinematográfica é uma das formas mais pessoais de contar histórias, e a percepção de um espectador pode diferir radicalmente da de outro. Essa diversidade de gêneros garante que fãs de terror não busquem o mesmo que fãs de comédia romântica, e apreciadores de filmes cult debaterão com o público mainstream. O gosto é subjetivo, e isso é aceitável.
No entanto, existe uma categoria distinta de filmes. Não se trata de obras que dividem o público por preferência, mas sim de produções que provocam reações intensas. Filmes tão carregados, perturbadores, filosoficamente complexos ou moralmente provocativos que, ao terminarem, deixam o espectador ávido por discussão e debate. A seguir, exploramos 10 filmes que instigam reflexões profundas.
‘Laranja Mecânica’ (1971)
Filmes dirigidos por Stanley Kubrick frequentemente carregam um peso considerável, mas ‘Laranja Mecânica’ eleva essa característica a outro nível. A trama acompanha Alex DeLarge, um delinquente adolescente em uma Grã-Bretanha futurista que, após cometer atos de violência com sua gangue, é submetido a um programa governamental que visa reabilitá-lo, retirando sua capacidade de livre arbítrio.
Superficialmente, um vilão é punido. Contudo, nada em ‘Laranja Mecânica’ é simples. A controvérsia reside na forma como Kubrick retrata a ultra-violência de maneira estilizada, acompanhada por música alegre e filmada com precisão coreográfica. No Reino Unido, políticos e jornais acusaram o filme de glorificar a brutalidade que ele supostamente criticava. O debate político gira em torno da ética de remover a capacidade de escolha de um indivíduo em nome da ordem social.
‘Taxi Driver’ (1976)
A chegada de ‘Taxi Driver’ em 1976, dirigido por Martin Scorsese, foi uma verdadeira provocação. O filme apresenta Travis Bickle, um protagonista inesquecível: um veterano de guerra insone e alienado que percorre as ruas sujas de Nova York, afundando lentamente em uma fúria delirante. Ele decide que a cidade precisa ser purificada.
O que torna ‘Taxi Driver’ tão debatível não é a violência, embora presente. É a ambiguidade moral. O filme aborda a visão de mundo de Travis com uma intimidade sedutora e quase simpática. O espectador entra em sua mente, observando tudo através de sua perspectiva distorcida. O filme, então, recompensa sua violência com um final heroico. Seria ‘Taxi Driver’ um estudo de personagem ou um endosso? Scorsese e o roteirista Paul Schrader sempre afirmaram ser um retrato de um homem perturbado, não um modelo. No entanto, o legado cultural do filme é complexo e desconfortável.
‘Faça a Coisa Certa’ (1989)
Spike Lee apresentou ‘Faça a Coisa Certa’ em Cannes em 1989, dividindo o júri. Começando de forma enganosamente vibrante, o filme se desenrola ao longo de um dia escaldante no bairro de Bedford-Stuyvesant, em Brooklyn, traçando as tensões raciais entre a comunidade negra e o dono de um estabelecimento ítalo-americano. Ao final, um jovem negro morre nas mãos da polícia, e o bairro entra em colapso.
‘Faça a Coisa Certa’ é um filme notável que incita discussões sobre o significado e a interpretação de seu final. Lee encerra com duas citações – uma de Martin Luther King Jr. condenando a violência e outra de Malcolm X defendendo-a como autodefesa – recusando-se a indicar sua preferência. Em 1989, o público estava acostumado a receber respostas. Muitos críticos sugeriram que o filme era “muito controverso”, e alguns argumentaram que poderia incitar violência real. Outros viram essas reações como a prova do que Lee estava dizendo.
‘Jogos Perigosos’ (1997)
O diretor austríaco Michael Haneke criou ‘Jogos Perigosos’ com a consciência de que o público aprecia filmes violentos. Dois homens bem-vestidos chegam à casa de uma família à beira de um lago, e o que se segue é uma invasão domiciliar calculada e metódica que desmantela as convenções típicas do gênero. Não há catarse nem a sobrevivência de um “último personagem”. Em um momento, um dos assassinos pega um controle remoto, rebobina o filme para desfazer um momento de alívio e olha diretamente para a câmera.
Haneke revelou posteriormente que ‘Jogos Perigosos’ era uma crítica ao apetite do público por violência na tela. Se o espectador assistiu até o fim, o filme já havia cumprido seu propósito. Críticos dividiram-se sobre se isso fazia sentido genuinamente ou era pretensioso. Em sua estreia em Cannes em 1997, pessoas literalmente saíram da sala, o que Haneke interpretou como um sucesso. A questão é: quando um cineasta usa seu desconforto contra você, isso é arte ou desprezo? O remake de 2007, estrelado por Michael Pitt, levanta as mesmas questões.
‘O Exorcista’ (1973)
Poucos filmes provocaram uma resposta física tão intensa e imediata quanto ‘O Exorcista’. Quando o filme de William Friedkin chegou aos cinemas em 1973, relatos indicam que pessoas desmaiaram nos corredores. Ambulâncias aguardavam do lado de fora de algumas salas. Um padre na Catedral de Westminster chamou o final de um ato de profanação. A Noruega e a Irlanda o baniram completamente. A Igreja Católica o classificou com um “C” e o tornou um pecado assisti-lo.
‘O Exorcista’ acompanha Regan, uma garota de 12 anos possuída por uma entidade demoníaca. O que acontece com seu corpo e voz na hora central do filme está entre as sequências mais visceralmente perturbadoras já exibidas. A história parece uma narrativa de terror comum onde a fé derrota o mal. No entanto, força um confronto prolongado e agonizante com a criança possuída. Críticos debatem há décadas se a visão implacável de Friedkin é justificada pelas apostas ou simplesmente exploratória. A condenação da Igreja Católica se inverteu com o tempo, mas mesmo agora, ‘O Exorcista’ gera discussões sobre até onde o terror deve ir.
‘Clube da Luta’ (1999)
‘Clube da Luta’, adaptação de David Fincher do romance de Chuck Palahniuk, foi lançado no final dos anos 90 e deu a uma geração inteira de jovens homens um filme sobre o qual projetar significados radicalmente contrastantes. Provavelmente você conhece a história: um trabalhador de escritório insone conhece o carismático Tyler Durden, e os dois iniciam um clube de luta clandestino que se torna algo sinistro. Há uma reviravolta, violência e um manifesto.
Claro, ‘Clube da Luta’ é extremamente bem feito. A discussão gira em torno do que ele está dizendo. Fincher e Palahniuk deixaram claro que o filme é uma sátira da masculinidade tóxica e uma crítica ao niilismo que retrata. No entanto, uma parcela muito vocal do público levou Tyler Durden ao pé da letra e o transformou em um herói. É uma sátira lida como sincera ou uma sátira fracassada? Ou a leitura equivocada se torna parte da atemporalidade do filme? Honestamente, ‘Clube da Luta’ ousa ser mal interpretado e depois observa o que acontece. Simplificando, ele o manipula.
‘O Lagosta’ (2015)
Yorgos Lanthimos construiu uma carreira fazendo filmes que deixam os espectadores entre o riso constrangido e o pavor existencial. No entanto, ‘O Lagosta’ pode ser seu projeto de desconforto mais perfeitamente calibrado. A premissa é algo como: pessoas solteiras são levadas a um hotel e informadas de que terão 45 encontros com um parceiro romântico. Se der certo, elas serão transformadas no animal de sua escolha. David (Colin Farrell) escolhe a lagosta.
‘O Lagosta’ ganhou o Prêmio do Júri em Cannes e rendeu a Lanthimos uma indicação ao Oscar de Melhor Roteiro Original. Mas seu final é ambíguo e controverso. Ele termina com David sentado no banheiro de um restaurante, segurando uma faca de bife, decidindo se deve cegar a si mesmo para igualar uma deficiência à mulher que ama. A câmera corta para o preto antes de sabermos o que acontece. Lanthimos nunca respondeu se o último segundo representa o amor como sacrifício ou amor como outra forma de coerção. Romântico ou cínico? De certa forma, é ambos. Ele também diz mais sobre você do que sobre David. Ou sobre o amor.
‘Garota Exemplar’ (2014)
A aparição de Fincher duas vezes nesta lista não deve surpreender. ‘Garota Exemplar’ é um thriller sobre casamento construído sobre camadas de traição, manipulação e política de gênero. Amy Dunne (Rosamund Pike) forja seu próprio assassinato, incrimina seu marido infiel Nick por isso e, em seguida, orquestra seu retorno quando seu plano se desfaz. Nick sabe o que ela é. Amy sabe que ele sabe. Eles permanecem juntos mesmo assim.
‘Garota Exemplar’ foi adaptado do romance igualmente divisivo de Gillian Flynn, e seu final tem o mesmo impacto na tela: sem resolução, sem redenção, sem qualquer estrutura moral satisfatória para se apoiar. O público ficou obviamente dividido. Alguns viram Amy como um ícone feminista se vingando de um sistema que a reduziu a uma esposa troféu. Outros a veem como um retrato misógino da manipulação feminina disfarçada de empoderamento. Mas, ao mesmo tempo, Fincher mantém a câmera muito neutra. Não condena Amy, mas também não a celebra. O resultado é um filme que entrega os fatos e as evidências e observa você iniciar um debate.
‘Mãe!’ (2017)
Darren Aronofsky escreveu o roteiro de ‘Mãe!’ em cinco dias, aparentemente em um estado mental próximo à dissociação, e isso transparece. Jennifer Lawrence interpreta uma mulher que está reformando uma casa no campo com seu marido poeta, Javier Bardem, quando estranhos começam a chegar e não param mais, até que tudo se transforma em um ato final alucinatório que envolve uma multidão despedaçando um recém-nascido.
A polarização foi óbvia. Aronofsky confirmou que o filme é uma alegoria. Bardem é Deus, Lawrence é a Mãe Terra, e o caos crescente de visitantes representa a destruição da natureza pela humanidade. Imagens bíblicas permeiam todas as cenas. Mas uma grande parte do público não chegou a essa interpretação porque ficou desorientada pela lógica de pesadelo do filme. ‘Mãe!’ funciona como um teste de Rorschach, onde as pessoas que o amam tendem a se engajar furiosamente com seu simbolismo, e as que o odeiam tendem a se sentir manipuladas.
‘O Nevoeiro’ (2007)
O diretor Frank Darabont construiu sua reputação com duas das adaptações de Stephen King mais calorosas e emocionantes já feitas – ‘Um Sonho de Liberdade’ e ‘À Espera de um Milagre’. Então ele fez ‘O Nevoeiro’, um dos filmes mais debatidos no terror moderno. Ele prende um grupo de moradores em um supermercado após um nevoeiro misterioso surgir, trazendo criaturas de outra dimensão. À medida que a situação se torna mais desesperadora, a coesão social do grupo se rompe, o fanatismo aumenta e as pessoas começam a morrer.
Um homem chamado David Drayton escapa com um pequeno grupo (incluindo seu jovem filho) e dirige para o nevoeiro até o carro ficar sem gasolina. Convencido de que os monstros estão próximos, ele usa suas últimas quatro balas para matar todos no carro, incluindo seu filho. E então os militares chegam e o nevoeiro se dissipa. Darabont supostamente lutou com o estúdio para manter esse final intacto, e King, cuja novela original termina em aberto, leu o roteiro e disse a Darabont que desejava tê-lo escrito. Além disso, Darabont o chamou de peça complementar de ‘Um Sonho de Liberdade’, explicando que, se aquele filme é sobre o valor da esperança, este é sobre o perigo de perdê-la.
Qual filme fez você discutir e debater assim que os créditos rolaram? Adicione à lista.
Fonte: Movieweb
