Os anos 2000 produziram uma quantidade impressionante de sucessos de bilheteria, alguns dos quais são quase impossíveis de revisitar hoje. O cinema da década exemplificou uma era de humor ácido e contos de moralidade questionável. Como resultado, revisitar alguns desses filmes hoje pode parecer como abrir uma cápsula do tempo um tanto rançosa.
É claro que as normas culturais evoluem com o tempo. O que antes era considerado comédia inofensiva ou narrativa edificante pode agora soar insensível, desconfortável ou francamente ofensivo. Em uma era em que o público está mais ciente da representação, estereótipos e do impacto da mídia, certos filmes se deterioraram completamente. Isso não significa necessariamente que esses filmes foram feitos com intenção maliciosa.
Em muitos casos, eles refletem as atitudes e os pontos cegos de sua época, quando Hollywood se apoiava fortemente em clichês fáceis e humor chocante para risadas fáceis. De comédias que dependem de ataques a dramas que lidam mal com temas sérios, esses filmes outrora populares são lembretes de quão longe a narrativa mainstream (felizmente) chegou.
I Now Pronounce You Chuck & Larry (2007)
Na época de seu lançamento, I Now Pronounce You Chuck & Larry foi comercializado como uma comédia edificante sobre tolerância e amizade. Estrelado por Adam Sandler e Kevin James, o filme acompanha dois bombeiros heterossexuais que fingem ser um casal gay para explorar benefícios de parceiros domésticos. No papel, parece uma configuração para comentário social.
Infelizmente, na execução, é uma enxurrada de piadas desatualizadas e muitas vezes desconfortáveis às custas das pessoas LGBTQ+. Grande parte do humor se baseia em estereótipos, com representações exageradas de homens gays usadas como alvos de piada em vez de personagens. Embora o filme eventualmente tente uma mensagem sobre aceitação, ela parece adicionada após quase duas horas de zombaria.
Essa honestidade parece uma forma performática de desculpar a crueldade anterior. Cenas que antes eram descartadas como “comédia ousada” soam abertamente homofóbicas, minando qualquer boa vontade que o filme tenta construir no final. Em retrospecto, Chuck & Larry é um exemplo claro de como as comédias mainstream da época frequentemente confundiam provocação com humor – e por que o público agora exige mais.
Shallow Hal (2001)
Poucas comédias do início dos anos 2000 parecem tão desconfortáveis hoje quanto Shallow Hal. Estrelado por Jack Black e Gwyneth Paltrow, o filme acompanha um homem hipnotizado para ver a beleza interior das pessoas em vez de sua aparência física. Embora essa premissa sugira uma mensagem progressista, a execução do filme conta uma história muito diferente.
A piada central gira em torno da personagem de Paltrow ser percebida como magra e convencionalmente atraente por Hal, enquanto todos os outros a veem como gorda. O problema é que o filme constantemente explora o corpo real dela para obter risadas, reforçando a superficialidade que ele afirma criticar.
Em vez de desafiar a gordofobia, ele a abraça, apresentando corpos maiores como inerentemente cômicos. Assim como Chuck & Larry, as pessoas às quais ele afirma dar voz são precisamente os alvos que explora ao longo do filme.
Além disso, o tratamento de Shallow Hal às mulheres é repleto de misoginia, reduzindo personagens femininas à sua aparência ou à sua capacidade de agradar homens (bem menos atraentes). O que antes era embalado como uma comédia romântica sincera agora parece uma sátira dolorosamente equivocada que nunca entendeu sua própria mensagem.
The Legend Of Bagger Vance (2000)
Mesmo na época de seu lançamento, The Legend of Bagger Vance levantou sobrancelhas. Hoje, sua premissa central parece especialmente fora de sintonia. Dirigido por Robert Redford e estrelado por Matt Damon ao lado de Will Smith, o filme conta a história de um caddie místico que ajuda um golfista branco problemático a redescobrir seu swing – e, por extensão, seu propósito na vida.
Ambientado no sul segregado racialmente da América dos anos 1920, o filme contorna completamente as duras realidades daquela época. Em vez de enfrentar discriminação que ameaçava a vida, o problema mais premente para Bagger é ajudar Matt Damon a ser melhor no golfe. Ele exemplifica o tropo do “negro mágico”, onde personagens negros são imbuídos de poderes especiais para melhorar a vida dos brancos.
Mantém a noção de que o papel mais importante para um personagem negro é guiar um protagonista branco em direção ao autoconhecimento. Esse tropo do “negro mágico” reduz Bagger Vance a um dispositivo narrativo em vez de um personagem totalmente realizado com agência ou profundidade.
Embora Smith traga um carisma inegável ao papel, The Legend of Bagger Vance parece desapegado do contexto histórico de uma forma difícil de ignorar hoje. O que pode ter parecido inspirador, agora soa como uma fantasia profundamente desatualizada e problemática.
Tropic Thunder (2008)
Quando Tropic Thunder chegou aos cinemas, foi amplamente elogiado por sua sátira mordaz ao excesso de Hollywood e ao método de atuação. E para ser justo, a performance de Robert Downey Jr. como Kirk Lazarus (um ator de método que passa por um procedimento controverso para “se tornar” um soldado negro) foi concebida como uma crítica a atores que levam as coisas longe demais.
O problema é que a intenção nem sempre se traduz de forma clara, especialmente com algo tão carregado quanto blackface. Tropic Thunder anda em uma linha muito tênue e, para muitos espectadores modernos, a cruza. Embora a piada seja tecnicamente sobre Lazarus e a indústria que o permite, a bagagem visual e temática do blackface é impossível de ignorar.
O que antes poderia ser “sátira inteligente” agora parece uma aposta arriscada. Para seu crédito, Tropic Thunder tenta interrogar sua própria premissa através do personagem de Brandon T. Jackson, mas essa autoconsciência não compensa totalmente o desconforto. É um lembrete de que até mesmo a sátira pode envelhecer mal se se apoiar demais naquilo que está tentando criticar.
The Blind Side (2009)
Na época, The Blind Side foi visto como uma história inspiradora e vencedora do Oscar, com Sandra Bullock levando para casa um Academy Award por sua performance. O filme conta a história real de Michael Oher, um jovem negro que encontra estabilidade e sucesso com a ajuda de uma família branca rica. Com o tempo, o filme enfrentou críticas crescentes sobre como ele enquadra essa história.
A narrativa se concentra fortemente em Leigh Anne Tuohy, de Bullock, posicionando-a como a força motriz por trás do sucesso de Oher, enquanto o próprio Oher é retratado como passivo, ingênuo e necessitado de orientação. Esse enquadramento alimenta diretamente o tropo do “salvador branco”, creditando o sucesso do protagonista negro às pessoas brancas ao seu redor.
Hoje, é interpretado como extremamente condescendente. Essas questões se tornaram ainda mais pronunciadas em 2023, quando Oher entrou com um processo alegando que Leigh Anne Tuohy e Sean Tuohy nunca o adotaram legalmente, mas o colocaram sob uma tutela que lhes permitiu fazer negócios em seu nome e explorá-lo financeiramente.
Oher também criticou a representação do filme sobre ele como analfabeto, infantilizando-o ainda mais. Isso apenas acentua a noção de que ele é muito inútil para funcionar no mundo real sem que pessoas brancas o resolvam por ele. Isso lança toda a história sob uma luz muito mais perturbadora e inerentemente condescendente.
Crash (2004)
Vencedor de Melhor Filme no Academy Awards, Crash já foi aclamado como uma exploração poderosa das relações raciais na América. Seu elenco de conjunto (incluindo Don Cheadle, Sandra Bullock e Matt Dillon) ajudou a dar vida a múltiplas histórias interconectadas, todas centradas em preconceito e mal-entendidos em Los Angeles.
No entanto, com o tempo, sua abordagem tem sido objeto de intenso escrutínio. Crash apresenta o racismo como uma série de falhas morais individuais que podem ser resolvidas através de momentos de redenção pessoal. Embora isso possa parecer emocionalmente satisfatório, simplifica excessivamente questões sistêmicas profundamente enraizadas.
Reduz-as a interações limpas, quase transacionais entre personagens. Muitos de seus cenários agora parecem artificiais, apoiando-se em diálogos diretos e óbvios em vez de narrativa sutil.
Os personagens são frequentemente definidos por uma única característica ou preconceito, fazendo com que a visão de mundo do filme pareça superficial em vez de perspicaz. O que já foi considerado ousado e instigante agora soa como uma abordagem bem-intencionada, mas, em última análise, redutora de uma questão complexa e contínua.
Fonte: ScreenRant
