A universalidade e a proliferação do cinema fazem com que até o cinéfilo mais atento não consiga ver todos os filmes aclamados, muito menos as inúmeras obras que existem além do mainstream. Um dos melhores lugares para caçar essas joias esquecidas é o Letterboxd.
Diferente das pontuações baseadas em críticos do Metacritic e Rotten Tomatoes, os rankings do Letterboxd são uma avaliação mais democrática do que constitui o “grande” cinema. Qualquer amante de cinema pode fazer login, avaliar e classificar os filmes de sua escolha.
Entre os filmes que fãs ao redor do mundo avaliaram positivamente, estão muitas entradas não-hollywoodianas e não-século XXI que podem surpreender espectadores casuais. Mas certamente não será novidade para aqueles com conhecimento mais profundo de cinema, pois entendem que o cinema transcende tempo, lugar, idioma e até mesmo o significado acordado de espetáculo. E muitos filmes provam isso.
O Outono da Sonata (1978)
O drama familiar de Ingmar Bergman de 1978, O Outono da Sonata, é altamente conceituado entre os críticos por dois motivos. Primeiro, por colocar duas das obsessões humanas — amor e arte — uma contra a outra sem um vencedor óbvio, e segundo, por fazê-lo com uma precisão emocional devastadora.
Isso sem mencionar a performance premiada com o Oscar de Ingrid Bergman como a famosa pianista mãe ausente, ao lado de Liv Ullmann como sua filha distante. Bergman já tem um recorde de sete filmes no Top 250 do Letterboxd, e O Outono da Sonata é o mais bem classificado deles com uma pontuação de 4,5 de 5. Curiosamente, a inspiração por trás de seu roteiro vem de experiências pessoais com seus pais.
I’m Still Here (2024)
Muitos se perguntaram por que uma produção brasileira desconhecida estava gerando tanto burburinho à medida que a temporada de premiações de 2024/2025 se aproximava. Alguns até duvidaram da veracidade do drama político em língua portuguesa em receber uma indicação de Melhor Filme. Tal dúvida se dissipa ao assistir duas horas de resiliência familiar em meio a uma brutal ditadura militar que ocorre em I’m Still Here, de Walter Salles.
Adaptado de um livro baseado em eventos reais, o filme centra-se em uma mulher cujo marido é levado para sempre após o regime militar do Brasil. Os espectadores são forçados a confrontar a escala da destruição que fatores sociais externos podem causar em uma instituição tão íntima e sagrada quanto a família.
Mas são os sacrifícios necessários para preservar esta instituição de cinco (agora irrevogavelmente reduzida a quatro), mesmo após a devastação, que realmente fizeram de I’m Still Here uma concorrente a Melhor Filme. Violência e brutalidade são sabiamente deixadas em segundo plano; as emoções evocadas pela exibição deslumbrante de Eunice Pavia não são.
Ran (1985)
Akira Kurosawa, a mesma mente por trás de Os Sete Samurais e Yojimbo, nunca pensou que seu projeto de estimação, Ran, receberia o apoio financeiro necessário para se tornar realidade. Ele teve que se contentar com uma década desenhando seu sonho no papel.
Graças ao produtor francês Serge Silberman, seu sonho se tornou realidade, embora ao custo de torná-lo o filme japonês mais caro já feito. Assim, o cinema foi abençoado com um dos maiores filmes já feitos.
Kurosawa baseia Ran na peça Rei Lear de William Shakespeare, na qual uma guerra civil no Japão feudal se desenrola após a decisão de um senhor da guerra de abdicar de seu trono para seus três filhos (filhas na peça de Shakespeare) dar errado. As cenas de ação sem dúvida se inspiram em O Resgate do Soldado Ryan de Steven Spielberg e no próprio Kagemusha de Kurosawa, com sangue retratado de forma não sentimental, rápida e implacável.
Cidade de Deus (2004)
O drama criminal brasileiro de Fernando Meirelles e Kátia Lund leva o nome do bairro Cidade de Deus em uma das muitas favelas do Rio de Janeiro, que fornece o cenário vívido do filme. Pobreza, negligência sistêmica e, claro, crime organizado são vivenciados pelos olhos de um jovem aspirante a fotógrafo, Buscapé, enquanto o público observa duas décadas de jovens e sua ambição presos em ciclos de violência.
Cidade de Deus é o filme de gângster internacional mais bem avaliado no Letterboxd e ganhou quatro indicações ao Oscar em 2004, incluindo Melhor Diretor e Melhor Roteiro Adaptado. Com isso, abriu caminho para que futuros filmes brasileiros, como I’m Still Here, ganhassem reconhecimento global.
Oldboy (2003)
Dirigido por Park Chan-wook, o protagonista de Oldboy, Dae-su (Choi Min-sik), é sequestrado e subsequentemente submetido a tormento psicológico e físico em confinamento solitário sem nunca saber seu crime. Quando é abruptamente libertado após 15 longos anos, a vingança o domina, e ele rastreia seu captor em uma história que se desenrola no que pode ser corretamente chamado de pai de todas as reviravoltas.
Se isso parece morbidamente inebriante, é porque é. O suficiente, aparentemente, para excitar até mesmo um cineasta tão austero quanto Quentin Tarantino, que foi o presidente do júri durante sua vitória no Grande Prêmio no Festival de Cinema de Cannes de 2004.
Oldboy é repleto de tudo, desde uma cena agora icônica de Dae-su devorando um polvo vivo inteiro até uma famosa luta em um corredor em plano sequência. É tudo imagem angustiante e ação envolta em um filme em língua coreana.
O Quinto Selo (1976)
Inquestionavelmente a maior obra do cinema húngaro, O Quinto Selo não é um Dunkirk ou Nada de Novo no Front. Mas a adaptação do romance de Ferenc Sánta não é menos uma concorrente a um dos dramas de guerra mais profundos já feitos. Como O Destino de uma Nação, O Quinto Selo abandona a violência espetacular da Segunda Guerra Mundial — quase todo o filme se passa em um pub.
Em vez disso, ele resume o conflito a uma simples pergunta feita por um bartender: “Você prefere viver como um tirano poderoso, mas cruel, ou como uma vítima impotente, mas moralmente íntegra, desse tirano?” É um dilema moral que opõe sobrevivência à integridade moral, especialmente durante a pressão autoritária fascista que oprimiu a Hungria no final da guerra.
O público familiarizado com a Bíblia reconheceria o próprio título do filme como uma referência ao Quinto Selo do Livro da Revelação, que simboliza o acerto de contas moral e o julgamento. Que um filme do Bloco Oriental tenha vencido o Prêmio do Júri do Festival de Cinema de Cannes no auge da Guerra Fria fala muito sobre a universalidade da pergunta que O Quinto Selo, de Zoltán Fábri, ousa fazer.
Brilho Eterno de uma Mente sem Lembranças (2004)
Todos amam um final feliz para uma jornada romântica, seja na vida real ou na tela. No entanto, Brilho Eterno de uma Mente sem Lembranças oferece algo muito mais perturbador e duradouro.
Nele, o casal Joel (Jim Carrey) e Clementine (Kate Winslet) apaga as memórias um do outro após a separação. O processo se mostra tudo menos indolor para Joel, que gradualmente percebe que amor e fracasso são inseparáveis. Em outras palavras, a própria dor que ele quer apagar é o que deu significado ao relacionamento em primeiro lugar.
O final agridoce de Brilho Eterno de uma Mente sem Lembranças, sua imensa capacidade de ser revisto e a alquimia criativa entre Michel Gondry e Charlie Kaufman — uma das duplas roteirista-diretor mais potentes — explicam por que este filme é amplamente considerado uma das histórias de amor mais celebradas do cinema do século XXI. Também explica seu status de cult-classic e sua alta posição no Letterboxd.
Cinema Paradiso (1988)
Escrito e dirigido por Giuseppe Tornatore com uma trilha sonora vencedora do BAFTA de Ennio e Andrea Morricone, Cinema Paradiso é considerado um dos melhores filmes de amadurecimento já feitos. Entre os filmes italianos no Letterboxd, apenas O Bom, o Mau e o Feio de 1966 está mais bem classificado.
Como o título sugere (“Novo Paraíso Cinema” em inglês), o filme vendeu a magia do próprio cinema junto com amor, conexão e nostalgia para o público italiano quando estreou em 1988. Ele retrata o cinema como um espaço de fuga e imaginação para o jovem Salvatore Di Vita (Salvatore Cascio) da realidade de sua vila siciliana marcada pela guerra.
Cinema Paradiso é a história de um profeta que não é apreciado em sua terra natal. O público doméstico não estava realmente interessado no filme nas bilheterias, não até depois da vitória do Oscar de Melhor Filme Estrangeiro em 1989 e uma vitória no Grande Prêmio do Júri em Cannes no mesmo ano.
Vá e Veja (1985)
Há uma razão pela qual o épico de guerra de 1985 de Emil Klimov, Vá e Veja, é um dos poucos filmes com nota 4,6 ou superior em 5 no Letterboxd. Isso porque poucos filmes no cinema confrontam o espectador com uma honestidade tão implacável sobre um tópico dessensibilizado.
A visão do adolescente Flyora juntando-se ansiosamente à resistência soviética, apenas para ser recebido pelas realidades da ocupação nazista de sua aldeia bielorrussa na Segunda Guerra Mundial e o sofrimento e colapso moral que a acompanham, não desaparece. Simplesmente, é possivelmente o maior filme anti-guerra da história do cinema.
A recusa de Vá e Veja em suavizar o impacto psicológico da guerra ironicamente funciona em desvantagem: raramente figura entre as listas de recomendações fáceis de alguém. As próprias autoridades soviéticas frustraram os esforços de Klimov para trazer o projeto à luz porque ele desmistificava a guerra a um ponto considerado incompatível com a sociedade soviética.
Os Sete Samurais (1954)
Outra das muitas obras-primas de Akira Kurosawa, Os Sete Samurais, é uma história clássica sobre os dividendos do trabalho em equipe e as divisões entre as classes sociais. Ambientado no Japão do século XVI, os sete samurais titulares (ronin) são contratados por agricultores pobres para proteger sua aldeia e, o mais importante, sua produção de bandidos saqueadores que retornam a cada temporada de colheita para roubar suas colheitas.
Cada parte de Os Sete Samurais é meticulosamente elaborada: desde o recrutamento do samurai principal Kambei pelos seis samurais restantes, cada um com seu próprio conjunto de habilidades, personalidade e motivo, até a colaboração meticulosa entre os aldeões e os samurais enquanto se preparam para a batalha. Esses elementos de narrativa estão presentes em filmes tão distantes quanto Vida de Inseto e Três Amigos.
A ousada duração de três horas e meia de Kurosawa pode ter assustado os estúdios na época, mas os espectadores modernos sabem melhor do que rejeitar uma epopeia de três horas. Especialmente não uma que consistentemente figura entre os filmes favoritos da crítica de todos os tempos.
Fonte: ScreenRant
